Sir John Everett Millais | Mariana, 1851 | Tate Collection
This painting by British painter John Everett Millais (1829-1896) is of Mariana, a character from Shakespeare’s play Measure for Measure.
The story goes that Mariana’s fiancé Angelo leaves after her family’s money is lost in a shipwreck.
Still in love with him, she hopes they will be reunited.
Millais shows Mariana pausing to stretch her back after working at some embroidery, with the autumn leaves scattered on the ground marking the passage of time.
The stained-glass windows in front of her show the Annunciation, contrasting the Virgin's fulfilment with Mariana's frustration and longing.
Sir John Everett Millais | Mariana, 1851 | Tate Collection
Millais copied the scene from the window of the Chapel of Merton College, Oxford.
The painting was originally exhibited with lines from Alfred Tennyson’s poem ‘Mariana’, which was also inspired by the play.
"She only said, 'My life is dreary - He cometh not!’ she said; She said, 'I am aweary, aweary - I would that I were dead!'" | Source: © Tate Britain
Sir John Everett Millais | Self-Portrait
Il dipinto Mariana di John Everett Millais raffigura Mariana, un personaggio dell'opera teatrale di Shakespeare Misura per misura.
La storia narra che il fidanzato di Mariana, Angelo, se ne va dopo che i soldi della sua famiglia vanno persi in un naufragio.
Ancora innamorata di lui, lei spera di riunirsi.
Millais raffigura Mariana che si ferma per sgranchirsi la schiena dopo aver lavorato ad un ricamo, con le foglie autunnali sparse sul terreno che segnano il passare del tempo.
Le vetrate colorate di fronte a lei mostrano l'Annunciazione, che mette a confronto la realizzazione della Vergine con la frustrazione ed il desiderio di Mariana.
Millais copiò la scena dalla finestra della cappella del Merton College di Oxford.
Il dipinto era originariamente esposto con versi della poesia di Alfred Tennyson "Mariana", anch'essa ispirata all'opera teatrale.
"Diceva solo: 'La mia vita è triste, non viene!', diceva; diceva: 'Sono stanca, stanca, vorrei essere morta!'" | Fonte: © Tate Britain
Roger Fry | Landscape with Shepherd, near Villa Madama, Rome, 1891 | Tate Collection
Sir John Everett Millais | Ophelia, 1851-2 | Tate Collection
Philip Wilson Steer | The Beach at Walberswick, 1889 | Tate Collection
Philip Wilson Steer | A Procession of Yachts, 1892-3 | Tate Collection
Arthur Hughes | April Love, 1855-6 | Tate Britain
This is Hughes's best-known work, and one of the most popular of all Pre-Raphaelite paintings.
When it was exhibited at the Royal Academy in 1856, the accompanying catalogue contained a quotation from one of the songs in Alfred Tennyson's 'The Miller's Daughter', in which the young lovers fear the passing of their love:
'Love is hurt with jar and fret,
Love is made a sweet regret;
Eyes with idle tears are wet,
Idle habits link us yet.
What is love? for we forget:
Ah, no! no!'
The painting was not conceived as an illustration to the poem, but rather the verse reinforced Hughes's depiction of fragile young love.
Hughes changed the setting from a millstream with chestnut trees and forget-me-nots to an ivy-clad arbour or summerhouse with lilac outside the window and rose petals on the stone floor.
As with many of the artist's works, ivy is also used to decorate the frame.
The Pre-Raphaelites often included symbolic elements in their work.
Ivy signifies everlasting life, roses love.
That the petals are strewn on the floor may suggest the love affair has ended. April Love was the first of a number of compositions in which Hughes depicted lovers in a landscape.
It shows the influence of A Huguenot, 1852 (private collection) and Ferdinand Lured by Ariel, 1849 (private collection) by Millais, whom Hughes greatly admired.
The rich blues, greens and purples employed by Hughes quickly became his trade mark. | Source: © Tate Britain
Arthur Hughes (British, 1832-1915) | April Love, 1855-6 | Tate Britain
Questa è l'opera più nota di Hughes ed uno dei più popolari tra tutti i dipinti preraffaelliti.
Quando fu esposta alla Royal Academy nel 1856, il catalogo allegato conteneva una citazione da una delle canzoni di "The Miller's Daughter" di Alfred Tennyson, in cui i giovani amanti temono la fine del loro amore:
"L'amore è ferito da scosse e agitazioni,
L'amore è reso un dolce rimpianto;
Gli occhi sono bagnati da lacrime oziose,
Le abitudini oziose ci uniscono ancora.
Che cos'è l'amore? perché dimentichiamo:
Ah, no! no!"
Il dipinto non fu concepito come un'illustrazione della poesia, ma piuttosto il verso rafforzò la raffigurazione di Hughes di un giovane amore fragile.
Hughes cambiò l'ambientazione da un ruscello con castagni e non-ti-scordar-di-me ad un pergolato ricoperto di edera o una casa estiva con lillà fuori dalla finestra e petali di rosa sul pavimento di pietra.
Come in molte delle opere dell'artista, l'edera è usata anche per decorare la cornice.
I preraffaelliti spesso includevano elementi simbolici nelle loro opere.
L'edera simboleggia la vita eterna, le rose l'amore.
Il fatto che i petali siano sparsi sul pavimento può suggerire che la storia d'amore è finita.
April Love fu la prima di una serie di composizioni in cui Hughes raffigurava gli amanti in un paesaggio.
Mostra l'influenza di A Huguenot, 1852 (collezione privata) e Ferdinand Lured by Ariel, 1849 (collezione privata) di Millais, che Hughes ammirava molto.
I ricchi blu, verdi e viola impiegati da Hughes divennero rapidamente il suo marchio di fabbrica. | Fonte: © Tate Britain
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