Claude Monet | Pommiers en Fleurs, 1878

The most consistently explorative of all the Impressionists, more than any artists of the period, Monet represents the movement and all it stood for.

A steady and persistent worker, independent of the necessity of waiting on 'inspiration', he found a prop for creativity in 'serialism', the creation of sets of work using the same motif; thus emphasising that a whole range of equally 'real' paintings could be made of the same subject, each varying according to the quality of light and weather conditions.

As his paintings of Argenteuil demonstrate, Monet had already begun developing this idea by the time he moved to Vétheuil in 1879.

In Vétheuil Monet once again chose to depict scenes of nature unaffected by industrialisation: views of poppy fields, hill-sides lined with apple trees and vistas across the Seine.

He repeated such motifs, experimenting with the effects of light and atmosphere.

Pommiers en Fleurs can be compared to several canvases painted at around this time, particularly to one entitled Pommiers près de Vétheuil (Wildenstein 488).

Through this comparison we can identify the location of this painting as the view into the valley of Vienne-en-Arthies, east of Vétheuil.

In the work shown here the trees overlooking the valley are dotted with colour, small brushstrokes create the effect of dappled sunlight on the foliage, and sets them apart from the rest of the hillside.

Into the distance the landscape merges into paler strokes of green and beige, with darker shadows suggesting the hamlet of Millonets in the distance.

The late 1870s and early 1880s witnessed the flowering of Monet's genuinely impressionistic work.

"Colour which he now learned to use with an unprecedented purity offers an infinitely subtle and flexible alternative to the traditional massings of light and shade.

Systems of inter-locking blues and oranges, for example, or lilacs and lemons will carry the eye across the surface of the canvas and these colour structures, each marvellously turned to the particulars of light, will be augmented by a vast range of accents of comma, slash, dot, flake, each attuned economically to its object that the eye is continually at work in its reading". (A. Forge, Claude Monet, exh. cat., New York, 1976).

The present picture was first exhibited in the rooms of the Galerie Durand-Ruel in 1883, with about sixty other landscapes by the artist. In his review of this exhibition, Philippe Burty also noticed Monet's change of style.

He wrote: "[These works] stem from a more agitated, aesthetic sense. In execution they are completely modern".

Of Monet, he wrote: "Among the impressionists, no other is gifted with such spontaneity and such lively impressions, and no other is able to express them with a smuch breadth and charm...'He paints from afar', one of his colleagues told me, describing in a striking way his technique, which in fact does not consist in hunching over an easel tracing the contours of objects with a paintbrush, but rather in laying down the touch that must evoke the idea of the hue rather than the memory of the details.

It is from afar that these paintings must be judged, and the near-sighted and insensitive will only perceive a confused mixed-up, tough or shaggy surface resembling the underside of a gobelin tapestry, with an excessive use of chromium-yellows and orange-yellows.

But at a distance, in normal daylight, the effect is manifested through the science of lines, the calm of the tones, the amplitude of the masses, the intensity of the sun's rays, and the softness of the fall of light...

We should give recognition to the artists who pursue nature in all its freshness: its gentle dawns, the troubled tides of the shores, the pastoral greenery interspersed with a thousand flowers, and the rich foliage of its trees". | Source: © Christie's

Monet, il più costantemente esplorativo tra tutti gli impressionisti, più di ogni altro artista del periodo, rappresenta il movimento e tutto ciò che rappresentava.

Lavoratore costante e tenace, indipendente dalla necessità di attendere l'"ispirazione", ha trovato un sostegno alla creatività nel "serialismo", la creazione di serie di opere utilizzando lo stesso motivo; Sottolineando così che con lo stesso soggetto si potrebbero realizzare tutta una serie di dipinti ugualmente 'reali', ciascuno diverso a seconda della qualità della luce e delle condizioni atmosferiche.

Come dimostrano i suoi dipinti di Argenteuil, Monet aveva già iniziato a sviluppare questa idea quando si trasferì a Vétheuil nel 1879.

A Vétheuil Monet scelse ancora una volta di rappresentare scene della natura non influenzata dall'industrializzazione: vedute di campi di papaveri, pendii fiancheggiati da mele alberi e panorami sulla Senna.

Ha ripetuto tali motivi, sperimentando gli effetti di luce e atmosfera.

Pommiers en Fleurs può essere paragonato a diverse tele dipinte in questo periodo, in particolare a quella intitolata Pommiers près de Vétheuil (Wildenstein 488).

Attraverso questo confronto possiamo identificare la collocazione di questo dipinto nella veduta della valle di Vienne-en-Arthies, a est di Vétheuil.

Nell'opera qui esposta gli alberi che si affacciano sulla valle sono punteggiati di colore, piccole pennellate creano l'effetto della luce solare screziata sul fogliame, distinguendoli dal resto della collina.

In lontananza il paesaggio si fonde in tratti più chiari di verde e beige, con ombre più scure che suggeriscono la frazione di Millonets in lontananza.

La fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80 videro la fioritura dell'opera genuinamente impressionista di Monet.

"Il colore che ora ha imparato a usare con una purezza senza precedenti offre un'alternativa infinitamente sottile e flessibile ai tradizionali ammassamenti di luce e ombra.

Sistemi di blu e arancioni intrecciati, per esempio, o di lillà e limoni porteranno lo sguardo attraverso il superficie della tela e queste strutture cromatiche, ciascuna meravigliosamente rivolta ai particolari della luce, saranno aumentate da una vasta gamma di accenti di virgola, barra, punto, fiocco, ciascuno economicamente in sintonia con il suo oggetto in cui l'occhio è continuamente al lavoro". (A. Forge, Claude Monet, catalogo della mostra, New York, 1976).

Il presente quadro fu esposto per la prima volta nelle sale della Galerie Durand-Ruel nel 1883, insieme ad una sessantina di altri paesaggi dell'artista.

Nella sua recensione di questa mostra, Philippe Burty nota anche il cambiamento di stile di Monet.

Ha scritto: "[Questi lavori] derivano da un senso estetico più agitato. Nell'esecuzione sono completamente moderni".

Di Monet scrive: "Tra gli impressionisti, nessun altro è dotato di tanta spontaneità e di impressioni così vive, e nessun altro è in grado di esprimerle con così tanta ampiezza e fascino...

'Dipinge da lontano', uno dei suoi mi hanno detto i colleghi, descrivendo in modo sorprendente la sua tecnica, che infatti non consiste nel curvarsi su un cavalletto e tracciare con un pennello i contorni degli oggetti, ma piuttosto nello stendere il tocco che deve evocare l'idea della tonalità piuttosto che quella memoria dei dettagli.

È da lontano che bisogna giudicare questi dipinti, e i miopi e gli insensibili percepiranno solo una superficie confusa, dura o ispida, che ricorda il rovescio di un arazzo di gobelin, con un uso eccessivo di cromo. -gialli e gialli-arancioni.

Ma a distanza, nella normale luce del giorno, l'effetto si manifesta attraverso la scienza delle linee, la calma dei toni, l'ampiezza delle masse, l'intensità dei raggi solari e la morbidezza dei colori. caduta della luce...

Dovremmo dare riconoscimento agli artisti che perseguono la natura in tutta la sua freschezza: le sue dolci albe, le maree agitate delle rive, il verde pastorale intervallato da mille fiori e il ricco fogliame dei suoi alberi". | Source: © Christie's

Other Artworks from Claude Monet